평강 임봉규 개인전 / 전시 3.4-9

돌 위에 피어난 기원(祈願)평강 임봉규 18회 개인전, 전통 문인화의 동시대적 확장 모색3월 4일부터 9일까지, 종로 인사동 갤러리 경북달 품은 / 한지, 수먹 / 36×48서울 인사동 갤러리 경북에서 오는 3월 4일부터 9일까지 평강 임봉규의 18회 개인전이 열린다. 바람 / 한지, 수먹, 아크릴물감 / 32×382020년부터 지속해 온 ‘돌그림’ 연작을 중심으로 구성된 이번 전시는 전통 문인화가 오늘의 사회와 어떻게 만날 수 있는지를 묻는 자리다.빛 / 한지, 수먹, 아크릴물감 / 32×38문인화는 오랜 시간 ‘정신성’과 ‘사의(寫意)’의 미학을 바탕으로 이어져 온 전통 회화 장르다.그러나 급변하는 현대 사회 속에서 그 접점은 상대적으로 약하게 인식되어 왔다. 달빛 / 한지, 수먹, 아크릴물감 / 32×38임봉규는 이 지점에서 가장 일상적이면서도 보편적인 소재인 ‘돌’을 화면 중심에 세운다. 자연 속 돌이자, 인간 마음에 놓인 돌이다.봄 / 한지, 수먹, 아크릴물감 / 32×38작가는 돌에 담긴 염원과 바람, 사랑과 희망의 서사를 전통 수묵의 사의적 필선과 현대적 사실 묘사를 결합해 구현한다. 기도 / 한지, 수먹 / 32×38된먹을 쌓아 올리듯 점묘한 돌의 질감은 세월의 축적과 존재의 무게를 드러내고, 화면을 가로지르는 매화 가지는 긴 기다림 끝에 피어나는 생명의 상징으로 자리한다.맑음 1 / 한지, 수먹 / 32×38흑백 수묵의 깊이 위에 선명하게 얹힌 붉은 매화는 절제된 화면 속에서 더욱 강렬한 생명력을 발산한다.맑음 2 / 한지, 수먹 / 32×38전시는 크게 세 갈래로 구성된다. 첫 번째는 사의적 필선과 여백의 미를 중심으로 한 전통 수묵 문인화다.정신성과 상징성을 기반으로 한 정통 문인화의 조형 언어를 제시한다.평안 / 한지, 수먹채색 / 32×38두 번째는 돌의 구조와 질감을 사실적으로 묘사한 작품들로, 수묵의 농담과 현대적 공간감을 결합해 화면의 밀도를 높였다. 바람 2 / 한지, 수먹채색 / 32×38세 번째는 전통과 현대의 융합을 보여주는 작업들이다. 사의성과 사실성이 공존하며, 상징적 소재를 통해 동시대적 메시지를 확장한다.연시우퇴홍 / 한지, 수먹채색 / 32×38매화와 더불어 대나무, 버들잎, 연꽃 등 상징적 소재도 화면을 구성한다. 사시사철 푸르름을 지닌 대나무는 변치 않는 절개와 심성을, 연꽃은 정화와 생명의 순환을 의미한다. 5월의 / 한지, 수먹채색 / 32×38이들 요소는 음과 양처럼 대비되면서도 상생의 관계를 이루며, 내면의 평안과 희망을 시각적으로 풀어낸다.임봉규의 ‘돌그림’은 단순한 자연 재현을 넘어선다. 그것은 현대인의 삶 속에 스며든 기원과 기다림, 그리고 다시 시작을 향한 의지를 담아낸 회화적 기록이다. 달품은 2 / 한지, 수먹, 아크릴물감 / 36×48전통 문인화의 정신을 지키면서도 동시대의 조형 언어를 적극적으로 수용한 이번 전시는, 문인화의 사회적·문화적 확장 가능성을 가늠해보는 계기가 될 것으로 보인다.이른 봄, 돌 위에 피어난 매화처럼. 전통은 멈춰 있는 유산이 아니라, 오늘의 감각 속에서 다시 숨 쉬는 현재형의 언어임을 확인하는 자리다.평강 임봉규계명대학교 미술대학 서예과 대구가톨릭교육대학원 미술교육개인전 18회 서울 대구스위스 취리히 아트페어 2014대한민국미술대전 심사대구광역시미술대전 심사광주미술대전 심사울산미술대전 심사성산미술대전 심사신라미술대전 심사매일서예문인화대전 심사고신대학교 미술대학 외래교수현)한국미술협회 이사대구미술협회 부회장대구경북서예가협회 부회장동지묵연 회장한붓동인 회장한국예총 칠곡지회 사무국장pyengkang1234@daum.net010-7939-3153-이유미/객원기자- theart21@naver.comBlossoms of Prayer on StonePyeongkang Lim Bonggyu’s 18th Solo Exhibition Explores the Contemporary Expansion of Literati Ink PaintingMarch 4–9, 2026 | Gallery Gyeongbuk, Insadong, SeoulPyeongkang Lim Bonggyu will hold his 18th solo exhibition from March 4 to 9, 2026, at Gallery Gyeongbuk in Insadong, Seoul. Centered on his ongoing Stone Painting series, which began in 2020, the exhibition examines how traditional Korean literati ink painting can engage meaningfully with contemporary society.Literati painting, long grounded in spiritual depth and the aesthetics of saui (expressive suggestion), has often been regarded as distant from the realities of modern life. Lim addresses this perception by placing an elemental and universally resonant subject at the center of his work: the stone. Both a natural object and a metaphor for the emotional weight carried within the human heart, the stone becomes a vessel for wishes, devotion, longing, love, and hope.Through the fusion of expressive ink lines and modern realist depiction, the artist renders the textured surfaces of stone with layered washes and dense ink modulation. The accumulated strokes evoke the passage of time and the gravity of existence. Across these silent forms stretch branches of plum blossoms—symbols of renewal that bloom after a long winter’s wait. Set against the restrained monochrome of ink, the vivid red petals radiate a striking vitality.The exhibition unfolds in three thematic sections. The first presents traditional literati ink paintings that emphasize calligraphic brushwork and the beauty of negative space, reaffirming the spiritual and symbolic language of classical aesthetics. The second focuses on works that depict the structure and texture of stone with heightened realism, combining subtle ink gradations with a contemporary sense of spatial depth. The third section highlights the coexistence of tradition and modernity, where expressive abstraction and representational detail converge, expanding the formal and conceptual possibilities of literati painting.In addition to stones and plum blossoms, symbolic motifs such as bamboo, willow leaves, and lotus flowers appear throughout the exhibition. Evergreen bamboo embodies integrity and constancy; the lotus suggests purification and rebirth. These contrasting yet complementary elements create a visual harmony reminiscent of yin and yang, forming a narrative of inner peace, aspiration, and renewal.Lim’s Stone Painting series moves beyond the mere depiction of nature. It is a visual meditation on the hopes and quiet prayers embedded in contemporary life. By preserving the spiritual essence of literati painting while embracing modern visual language, this exhibition proposes new social and cultural dimensions for the genre.Like plum blossoms emerging upon stone in early spring, tradition here is not a static inheritance, but a living language—one that continues to breathe and evolve in the present.Lee Yu-mi / Guest Reporter

칸옥션 41회 경매, 현대 서예 작품 강세, 검여 유희강 2900만원 낙찰

서예 작품을 꾸준히 소개해 온 칸옥션이 최근 진행한 제41회 경매에서 현대 서예가들의 작품이 잇따라 높은 가격에 낙찰되며 서예 시장의 관심을 다시 한 번 확인시켰다.회화 중심으로 움직이는 국내 미술 경매 시장 속에서 서예 작품이 안정적인 거래 흐름을 보이며 존재감을 드러냈다는 점에서 의미 있는 경매로 평가된다.이번 경매에서는 한국 현대 서예를 대표하는 작가들의 작품이 다수 출품되어 컬렉터들의 관심을 모았다. 검여 유희강(柳熙綱) / 강월 江月: 만주 정창주 晩州 鄭昌胄 시 / 1975년(을묘) / 종이에 먹 / 102.7×50cm×10 / 29,000,000특히 검여 유희강의 행초서 10폭 병풍 작품이 2900만원에 낙찰되며 이번 경매에서 서예로는 가장 높은 가격을 기록했다. 유희강은 전통 서예의 필법을 바탕으로 힘차고도 유려한 필세를 보여주는 서예가로 평가받는다. 이번에 출품된 작품 역시 행서와 초서가 어우러진 자유로운 필치와 균형 잡힌 구성으로 높은 완성도를 보여주며 응찰 경쟁을 이끌어냈다.평보 서희환(徐喜煥) / 고난을 박차고 / 1980년 / 종이에 먹 / 134.5×33.2cm×5 / KRW 10,500,000한글 서예 작품 역시 눈길을 끌었다. 평보 서희환의 한글 서예 작품은 1050만원에 낙찰되며 한글 서예에 대한 꾸준한 시장 수요를 확인시켰다. 서희환은 한글 서예의 조형성과 현대적 감각을 조화롭게 풀어내는 작가로 알려져 있으며, 작품의 힘 있는 필획과 단정한 구성미가 컬렉터들의 관심을 끌었다.여초 김응현(金膺顯) / 중용 中庸 제1장 / 1983년(계해) / 종이에 먹 / 120×28.7cm×8 / KRW 3,600,000한국 현대 서예의 거장으로 평가받는 여초 김응현의 작품도 경매에 등장했다. 이번 경매에 출품된 8폭 작품은 360만원에 낙찰되며 안정적인 거래 흐름을 보였다. 김응현은 한국 서예의 정체성과 예술성을 확립하는 데 중요한 역할을 한 인물로 평가되며, 그의 작품은 꾸준히 수집가들의 관심을 받아왔다.갈물 이철경(李喆卿) / 이강혁 李康爀 (1884-1964) 선생의 회갑에 올리는 글 / 1944년(갑신) / 종이에 먹 / 91.5×29.1cm×8 / KRW 4,000,000또한 갈물 이철경의 한글 서예 작품도 400만원에 낙찰되며 의미 있는 거래를 기록했다. 이철경은 전통 서예의 필법을 바탕으로 한글 서예의 조형적 가능성을 탐구해 온 작가로, 담백하면서도 개성적인 서체가 특징이다.칸옥션은 국내 경매사 가운데서도 서예 작품을 적극적으로 소개하고 있는 경매회사로 알려져 있다. 일반적인 미술 경매가 회화와 조각 중심으로 구성되는 것과 달리, 칸옥션은 서예 작품을 꾸준히 경매에 출품하며 서예 시장의 활성화를 이끌고 있다.특히 한글 서예와 전통 한문 서예 작품이 함께 거래되며 다양한 컬렉터층이 형성되고 있다는 점도 특징이다. 최근 미술 시장에서는 한국적 정체성을 지닌 작품에 대한 관심이 높아지고 있는데, 서예 작품 역시 이러한 흐름 속에서 다시 주목받고 있다는 분석이 나온다.미술계 관계자는 “서예는 한국 미술의 중요한 축임에도 불구하고 시장에서는 상대적으로 저평가된 측면이 있었다”며 “최근 경매에서 꾸준한 거래가 이루어지면서 서예 작품의 가치가 점차 재조명되고 있다”고 말했다.한편 칸옥션은 앞으로도 다양한 서예 작품을 지속적으로 소개하며 서예 컬렉터층을 확대해 나갈 계획이다. 전통 서예와 한글 서예를 아우르는 작품들이 꾸준히 경매에 등장하면서 서예 시장의 새로운 흐름이 이어질지 주목된다.  -글씨21/자료제공 칸옥션-Kan-Auction 41th Sale Highlights Strength of Contemporary Korean CalligraphyYoo Hee-kang’s Ten-Panel Calligraphy Screen Sells for 29 Million KRWKan-Auction, known for consistently introducing calligraphy works in its sales, once again demonstrated strong market interest in contemporary Korean calligraphy at its 41th auction. Several works by modern calligraphers achieved notable prices, reaffirming the continued presence of calligraphy in the domestic art market, which has traditionally been dominated by painting and sculpture.The auction featured works by prominent figures in modern Korean calligraphy, attracting significant attention from collectors. Among them, a ten-panel folding screen in semi-cursive script by Geomyeo Yoo Hee-kang achieved the highest price of the sale, selling for 29 million KRW after competitive bidding. Yoo Hee-kang is widely recognized for his powerful yet refined brushwork rooted in classical calligraphic traditions. The work presented in this auction displayed a harmonious blend of semi-cursive and cursive scripts, characterized by free-flowing strokes and balanced composition, which drew strong interest from bidders.Hangul calligraphy also attracted considerable attention during the auction. A Hangul calligraphy work by Pyeongbo Seo Hee-hwan sold for 10.5 million KRW, demonstrating the steady demand for works in the Korean script tradition. Seo Hee-hwan is known for combining the structural beauty of Hangul with a modern aesthetic sensibility, and the work’s bold brushstrokes and composed structure appealed strongly to collectors.Another notable highlight was a work by Yeocho Kim Eung-hyeon, widely regarded as a master of modern Korean calligraphy. His eight-panel calligraphy screen was sold for 3.6 million KRW, reflecting stable market interest in his works. Kim Eung-hyeon played a pivotal role in establishing the artistic identity and aesthetic value of Hangul calligraphy, and his works continue to be sought after by collectors.In addition, a Hangul calligraphy work by Gal-mul Lee Cheol-gyeong was sold for 4 million KRW, marking another meaningful transaction during the auction. Lee Cheol-gyeong is recognized for exploring the visual possibilities of Hangul calligraphy based on traditional brush techniques, and his works are known for their restrained yet distinctive style.Kan-Auction has established itself as one of the few auction houses in Korea that actively introduces calligraphy works to the market. Unlike many art auctions that primarily focus on paintings and sculptures, K-Auction has consistently included calligraphy in its sales, contributing to the expansion and revitalization of the calligraphy market.The auction also highlighted the coexistence of Hangul calligraphy and traditional Chinese-character calligraphy, indicating the emergence of a diverse collector base. In recent years, the art market has shown increasing interest in works that reflect Korean cultural identity, and calligraphy is increasingly being reconsidered within this context.An art market observer commented, “Although calligraphy is a fundamental pillar of Korean art, it has historically been undervalued in the market. However, with steady transactions at auctions, the value of calligraphy works is gradually being re-evaluated.”Kan-Auction plans to continue presenting a wide range of calligraphy works in future sales while expanding the community of collectors interested in the art form. As both traditional and Hangul calligraphy continue to appear in auctions, attention is growing as to whether these developments will further shape new trends in the calligraphy market. -Geulc21 / Source: Kan-Auction-

민화와 현대서예의 만남 ‘마에스트로 MAESTRO’ 특별기획전 개최

민화와 현대서예의 만남‘마에스트로 MAESTRO’ 특별기획전 개최대구 남구 대덕문화전당이 2026년 신춘 특별기획전으로 민화와 현대서예의 만남을 선보이는 전시 ‘마에스트로(MAESTRO)’를 개최했다.   이번 전시는 대덕문화전당 블랙큐브 개관을 기념하는 첫 기획전으로, 전통 민화와 현대 서예가 만나 새로운 미적 가능성을 제시하는 자리다.   전시는 2026년 2월 23일부터 3월 14일까지 대덕문화전당 제1·2·3·F 전시실에서 진행된다.이번 전시는 한국 민화의 전통을 현대적으로 재해석해 온 하당 권정순 작가와 현대서예·서예 퍼포먼스 분야에서 활발한 활동을 펼쳐온 초람 박세호 작가가 함께 참여했다.   민화 작가이자 연구자인 권정순은 오랜 기간 민화의 전통을 계승하며 현대적 감각으로 확장해 온 작가로, 한국민화협회 부회장과 계명대학교 한국민화연구소 소장을 역임하며 민화의 학술적·예술적 발전에도 기여해 왔다.   그의 작품은 전통 민화의 상징성과 색채를 바탕으로 현대적 감각을 더해 새로운 민화의 세계를 구축했다는 평가를 받고 있다.   현대서예가 박세호는 계명대학교 미술대학 서예과와 동대학원 졸업했으며 29여회의 개인전을 연 바 있다.   서예 퍼포먼스 아티스트로서 문자와 이미지의 경계를 넘나드는 작업을 선보여 온 그의 작업은 글씨를 단순히 읽는 대상이 아니라 ‘보는 이미지’로 전환시키며, 서예의 표현 영역을 확장하는 실험적인 작품 세계로 주목받고 있다.   이번 전시는 민화와 현대서예라는 서로 다른 장르가 만나 전통과 현대, 회화와 문자, 정적인 이미지와 역동적인 퍼포먼스가 교차하는 예술적 대화를 펼친다.   두 작가의 작품은 각기 다른 예술적 언어를 통해 인간의 삶과 자연, 그리고 시간의 흐름을 담아내며 관람객에게 깊은 울림을 전달한다.   특히 전시는 민화 특유의 민족성과 색채, 그리고 현대서예의 강렬한 필획과 추상적 이미지가 어우러지며 동양 예술의 새로운 미학적 가능성을 보여줄 것으로 기대된다.   대덕문화전당 관계자는 “이번 전시는 한국 전통미술과 현대예술의 경계를 넘나드는 특별한 기획전”이라며 “민화와 서예라는 두 장르의 만남을 통해 관람객들이 전통 예술의 새로운 가치를 발견하는 시간이 되길 바란다”고 말했다.   한편 이번 전시는 대덕문화전당 블랙큐브 개관을 기념해 마련된 첫 특별전으로, 지역 예술계뿐 아니라 서예와 민화의 새로운 방향을 제시하는 의미 있는 전시가 될 것으로 기대된다.이유미/리포터 theart21@naver.comThe Encounter of Minhwa and Contemporary Calligraphy“MAESTRO” Special Exhibition OpensDaedeok Culture Center in Nam-gu, Daegu has opened the 2026 New Year special exhibition “MAESTRO,” presenting an encounter between traditional Minhwa painting and contemporary calligraphy. The exhibition marks the first special project celebrating the opening of the Black Cube at Daedeok Culture Center and offers a platform where traditional folk painting and modern calligraphic art meet to explore new aesthetic possibilities.The exhibition runs from February 23 to March 14, 2026, and is being held in Exhibition Halls 1, 2, 3, and F of the Daedeok Culture Center.This exhibition features the works of Kwon Jung Soon (Hadang), an artist who has reinterpreted the tradition of Korean Minhwa in a contemporary way, and Park Se Ho (Choram), a contemporary calligrapher and calligraphic performance artist known for his dynamic artistic practice.Kwon Jung Soon, a Minhwa artist and researcher, has long worked to preserve and expand the tradition of Minhwa with a modern sensibility. She has served as Vice President of the Korea Minhwa Association and Director of the Korean Minhwa Research Institute at Keimyung University, contributing significantly to both the academic and artistic development of Minhwa. Her works are highly regarded for building a new world of Minhwa by combining traditional symbolism and vivid colors with contemporary interpretation.Contemporary calligrapher Park Se Ho graduated from the Department of Calligraphy at Keimyung University and its graduate school, and has held around 29 solo exhibitions. As a calligraphic performance artist, he presents works that cross the boundaries between text and image. His artistic practice transforms writing from something merely to be read into something to be visually experienced, expanding the expressive possibilities of calligraphy through experimental and dynamic imagery.This exhibition presents an artistic dialogue where two different genres—Minhwa and contemporary calligraphy—meet, intersecting tradition and modernity, painting and writing, still imagery and dynamic performance. Through their distinctive artistic languages, the two artists express human life, nature, and the passage of time, offering visitors a profound artistic experience.In particular, the exhibition highlights the unique national character and vibrant colors of Minhwa, combined with the powerful brushstrokes and abstract imagery of contemporary calligraphy, suggesting new aesthetic possibilities within East Asian art.A representative of the Daedeok Culture Center stated, “This exhibition is a special project that crosses the boundaries between traditional Korean art and contemporary art. We hope visitors will discover new values in traditional art through the encounter of Minhwa and calligraphy.”Meanwhile, as the first special exhibition commemorating the opening of the Black Cube at the Daedeok Culture Center, the exhibition is expected to become a meaningful event that suggests new directions for both calligraphy and Minhwa, as well as for the regional art scene.   Lee Yumi / Reportertheart21@naver.com

일백헌 Art Market Korean Calligraphy 소품전

서예의 자리, 다시 묻다.서예는 오랜 시간 우리 문화의 중심에서 정신과 미감을 담아온 예술이다. 그러나 오늘날 서예는 전통의 깊이에도 불구하고 예술 시장 안에서 충분한 자리를 확보하지 못한 채, 점점 더 좁아지는 관람층과 유통 구조 속에서 어려움을 겪고 있다. 작품은 존재하지만 시장은 작고, 작가는 많지만 만남의 기회는 많지 않다. 이러한 현실 속에서 서예는 다시 질문을 던진다. 지금, 서예는 어떻게 사람들과 만나야 하는가.이번 〈한글 소품전 Market〉은 그 질문에서 출발한 실험적 전시이다. 서예를 보다 가깝게, 보다 열린 방식으로 관객과 연결해 보고자 하는 작은 시도다. ‘시장(Market)’이라는 단어를 전면에 내세운 것은 단순한 판매의 의미를 넘어, 예술과 사람, 작품과 생활이 자연스럽게 만나는 장(場)을 상상했기 때문이다.   이번 전시는 특히 한글 서예 소품에 주목한다. 크기와 형식을 낮추고, 가격의 문턱을 낮추며, 관람과 소장의 거리를 줄였다. 거대한 작품과 권위적인 전시 방식에서 벗어나, 일상 가까이에서 서예를 만날 수 있는 가능성을 탐색한다. 이는 서예의 본질을 가볍게 하려는 시도가 아니라, 오히려 서예가 지닌 생명력을 새로운 환경 속에서 다시 움직이게 하려는 하나의 방법이다.   여기에 참여한 작가들은 각자의 필법과 감각으로 한글의 조형성과 정신을 풀어내며, 전통의 축적 위에서 또 다른 가능성을 실험하고 있다. 이 작은 작품들은 단순한 소품이 아니라, 서예가 오늘의 사회와 어떻게 관계 맺을 수 있는지를 묻는 하나의 제안이기도 하다.   〈한글 소품전 Market>은 완성된 해답이라기보다 하나의 실험이다. 서예가 예술 시장과 어떤 방식으로 만날 수 있는지, 또 관객이 서예를 어떤 방식으로 일상 속에서 경험할 수 있는지를 함께 탐색하는 자리이다. 이 작은 시도가 서예와 관객 사이의 거리를 조금 더 가깝게 만들고, 서예가 새로운 유통과 감상의 길을 발견하는 계기가 되기를 기대한다.   전통의 깊이와 오늘의 감각이 만나는 이 자리에서, 서예가 다시 사람들 속으로 걸어 들어가는 순간을 함께해 주길 바라는 마음이다.   석태진/ 글씨21 대표, 갤러리 일백헌 관장Reconsidering the Place of CalligraphyCalligraphy has long stood at the heart of our culture, embodying both spirit and aesthetic sensibility. Yet today, despite the depth of its tradition, calligraphy struggles to secure a firm place within the contemporary art market. The audience continues to narrow, and the structures for circulation remain limited. Works exist, and many artists continue to create, but opportunities for meaningful encounters between art and audience are not as abundant. In this reality, calligraphy poses a renewed question: How should calligraphy meet people today?   The exhibition 〈Hangul Small Works Exhibition: Market〉 begins from this very question. It is an experimental attempt to connect calligraphy with audiences in a more accessible and open way. By foregrounding the word “Market,” the exhibition does not merely suggest the act of selling, but rather imagines a space where art and people, works and everyday life, can meet naturally.   This exhibition focuses particularly on small-scale Hangul calligraphy works. By reducing scale and format, lowering price barriers, and narrowing the distance between viewing and collecting, it seeks to explore the possibility of encountering calligraphy within everyday life. This is not an attempt to diminish the essence of calligraphy; rather, it is an effort to activate the vitality inherent in the art form within a new environment.   The participating artists interpret the formative beauty and spirit of Hangul through their individual brushwork and sensibilities, experimenting with new possibilities grounded in the accumulation of tradition. These small works are not merely decorative pieces; they are proposals that ask how calligraphy might engage with contemporary society.   〈Hangul Small Works Exhibition: Market〉 is therefore not a finished answer but an experiment. It is a space for exploring how calligraphy might meet the art market and how audiences might experience calligraphy within their daily lives. We hope that this modest attempt will bring calligraphy and audiences a little closer together, and that it may help discover new paths for the circulation and appreciation of calligraphy.In this place where the depth of tradition meets the sensibility of today, we invite you to witness the moment when calligraphy begins to walk once again among people.  Suk Tae-jinRepresentative, Geulc21Director, Gallery Ilbaekheon

오민준·인준철의 콜라보 ‘보고 읽는다’

사진과 글, 경계를 넘다오민준·인준철의 콜라보 ‘보고 읽는다’,   인사동 라메르 갤러리 개최   서울 인사동 라메르 갤러리에서 캘리그래피 작가 오민준과  사진작가 인준철의 콜라보 ‘보고 읽는다’가 지난 3월 25일부터 30일까지 열렸다.이번 전시는 사진과 글씨라는 서로 다른 매체가 결합해 새로운 감각적 경험을 제안하는 자리로, 관람객에게 ‘보는 것’과 ‘읽는 것’의 경계를 다시 생각하게 한다.   ‘보고 읽는다’는 단순히 작품을 감상하는 전시가 아니라, 이미지를 바라보고 그 안의 이야기를 읽어내는 과정을 하나의 예술적 행위로 확장한 작업이다.   사진 위에 직접 쓰인 글씨는 설명이나 부연이 아닌 또 하나의 표현 방식으로 기능하며, 이미지와 언어가 동시에 작동하는 구조를 만든다. 관람객은 사진을 먼저 보고, 이어 글을 읽으며, 다시 이미지를 되짚는 순환적 경험을 하게 된다.   두 작가의 협업은 약 12년 전으로 거슬러 올라간다. 학창 시절 서로의 존재를 알고 있었던 이들은 2012년 전시를 계기로 본격적인 인연을 시작했고, 이후 사진과 글을 매개로 작업을 이어왔다.   2014년 첫 전시 이후 다시 같은 주제로 이어진 이번 전시는 새로운 출발이라기보다 오랜 시간 지속된 대화의 연장선에 있다. 전시 서문에서 작가들은 여전히 바쁘게 흘러가는 일상 속에서도 ‘잠시 멈춰 바라보는 법’을 조금씩 배워왔다고 말한다.   빠르게 소비되는 이미지 환경 속에서 이들의 작업은 정반대의 방향을 향한다. 작품 앞에 머물며 시선을 오래 두고, 그 안의 감정을 천천히 읽어내는 경험을 강조한다.   이번 전시의 특징 중 하나는 작업 방식에 있다. 두 작가는 사진을 인화한 뒤 그 위에 직접 글씨를 쓰는 방식을 택했다.   이는 디지털 작업에 비해 번거롭고 시간이 많이 소요되는 과정이지만, 그만큼 작품에 물리적인 시간과 감각을 축적할 수 있다는 점에서 의미를 갖는다.   글씨는 이미지 위에 덧붙여진 것이 아니라, 사진과 함께 하나의 층을 이루며 새로운 화면을 구성한다.   전시를 관통하는 질문은 단순하다. “무엇을 보고 있는가, 그리고 무엇을 읽고 있는가.” 이 질문은 작가들 자신에게 던지는 동시에 관람객에게도 그대로 전달된다. 동일한 풍경을 바라보더라도 사람마다 다른 이야기를 읽어내듯, 작품 역시 각자의 경험과 감정에 따라 다르게 해석된다.   특히 이번 전시는 ‘보는 전시’에서 ‘머무르는 전시’로의 전환을 시도한다는 점에서 주목된다. 관람객은 작품 앞에서 자연스럽게 속도를 늦추고, 이미지와 글 사이를 오가며 자신만의 의미를 구성하게 된다. 이는 단순한 시각적 감상이 아니라 내면의 감각을 환기시키는 과정으로 이어진다.   두 작가의 관계 또한 이번 전시의 중요한 맥락이다. 서로 다른 분야에서 활동해온 이들은 오랜 시간 각자의 작업을 이어오면서도 지속적으로 영향을 주고받아 왔다.단순히 역할을 나누는 협업이 아니라, 서로의 작업을 읽고 응답하는 방식으로 관계를 확장해 왔다는 점에서 이번 전시는 그 축적된 시간의 결과라 할 수 있다.   전시에 참여한 한 관계자는 “이번 작업은 사진과 글씨의 결합을 넘어, 두 사람이 함께 지나온 시간을 하나의 작품으로 풀어낸 결과”라며 “관람객 역시 자신의 시간과 경험을 작품에 겹쳐 읽게 될 것”이라고 말했다.   ‘보고 읽는다’는 결국 하나의 제안이다. 빠르게 흘러가는 일상 속에서 잠시 걸음을 멈추고, 하나의 풍경을 오래 바라보며 그 안의 이야기를 읽어보라는 제안이다.   사진과 글이 만나는 지점에서 생성되는 새로운 감각은, 우리가 익숙하게 소비해온 이미지의 방식에 질문을 던진다.   짧은 기간 동안 진행된 이번 전시는 두 작가가 앞으로도 이어갈 작업의 방향성을 보여주는 동시에, 동시대 예술에서 매체 간 결합이 어떤 가능성을 가질 수 있는지를 보여준 좋은 사례로 남을것 같다.   -이유미/theart21@naver.com-A Two-Person Exhibition “Seeing and Reading” by Oh Min-jun and In Jun-cheol   “Seeing and Reading” by calligraphy artist Oh Min-jun and photographer In Jun-cheol was held at La Mer Gallery in Insadong, Seoul, from March 25 to 30. This exhibition brings together two different media—photography and handwriting—to propose a new kind of sensory experience, encouraging viewers to reconsider the boundary between “seeing” and “reading.”“Seeing and Reading” goes beyond simply viewing artworks. It expands the act of looking at images and reading the stories within them into an artistic practice. The text written directly onto the photographs does not serve as explanation or annotation, but as another mode of expression, creating a structure in which image and language operate simultaneously. Viewers first look at the image, then read the text, and return again to the image, engaging in a cyclical experience.The collaboration between the two artists dates back about 12 years. Having been aware of each other during their school years, they began their artistic relationship in earnest after an exhibition in 2012, and have since continued working together through photography and text. Following their first exhibition in 2014, this show—revisiting the same theme—is not so much a new beginning as it is an extension of a long-standing dialogue.In the exhibition preface, the artists note that even amid their busy lives, they have gradually learned how to “pause and observe.” In contrast to a culture of rapidly consumed images, their work moves in the opposite direction. It emphasizes lingering in front of each piece, holding one’s gaze, and slowly reading the emotions embedded within.One notable aspect of this exhibition is its process. After printing the photographs, the artists write directly onto them by hand. While more labor-intensive and time-consuming than digital methods, this approach allows physical time and tactile sensibility to accumulate within the work. The text is not merely added on top of the image, but forms a unified layer, constructing a new visual surface together with the photograph.The central question that runs through the exhibition is simple: “What are you seeing, and what are you reading?” This question is posed not only to the artists themselves, but also to the viewers. Just as people read different stories from the same landscape, each work can be interpreted differently depending on individual experiences and emotions.In particular, the exhibition is noteworthy for attempting a shift from a “viewing exhibition” to a “lingering exhibition.” Visitors naturally slow down in front of each piece, moving back and forth between image and text to construct their own meanings. This goes beyond mere visual appreciation and becomes a process that awakens inner perception.The relationship between the two artists is also an important context for the exhibition. Although they have worked in different fields, they have continuously influenced one another while maintaining their individual practices. Rather than simply dividing roles, their collaboration has expanded through a process of reading and responding to each other’s work, making this exhibition a result of accumulated time and dialogue.A representative involved in the exhibition remarked, “This project goes beyond the combination of photography and calligraphy—it unfolds the time the two artists have shared into a single body of work. Viewers, too, will read the works by layering their own time and experiences onto them.”Ultimately, “Seeing and Reading” is a proposal. It invites us to pause in the midst of our fast-paced lives, to linger over a single scene, and to read the stories within it. The new sensibility created at the intersection of image and text challenges the way we habitually consume images.Although held over a short period, this exhibition stands as a meaningful example of the possibilities of interdisciplinary media in contemporary art, while also offering a glimpse into the future direction of the artists’ ongoing work.   -Lee Yumi / Reporter / theart21@naver.com-