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글씨가 형상이 되고, 형상이 마음이 되다
《삼상(三象)전》
세 사람의 심상과 형상, 예술적 개성
문자는 읽히는 대상에서 출발했지만, 오늘날 예술 안에서는 보고 느끼는 대상으로 확장되고 있다.
붓끝에서 태어난 글씨는 의미를 넘어 형상이 되고, 형상은 다시 하나의 감각적 언어로 전환된다.
이러한 흐름 속에서 서예·캘리그라피·전각이라는 같은 영역에서 서로 다른 문자 예술을 탐구해 온 세 작가가 한자리에 모였다.
담묵 최남길, 지오 김영필, 갈매 모은영이 참여하는 《삼상(三象)전》은 ‘세 사람의 심상과 형상, 그리고 예술적 개성’을 주제로 한 초대전으로, ‘글씨21’의 기획과 갤러리 일백헌의 초대로 마련되었다.
전시는 2025년 12월 17일부터 23일까지 서울 북촌 ‘갤러리 일백헌’에서 열리고 있다.
이번 전시는 전통 서예의 계보를 단순히 재현하기보다, 각자의 언어로 문자를 해석해온 세 작가의 시선을 통해 오늘날 문자 예술의 확장 가능성을 조망한다.
담묵 최남길은 ‘수묵 캘리그라피’라는 개념을 통해 그림과 글씨를 분리하지 않고 하나의 화면으로 엮어 표현해 온 작가다.
그의 작업은 전통적인 서·화를 계승하는 방식과는 일정한 거리를 두며, 개인의 감정과 사유를 담담하게 서정적으로 풀어내는 데 초점이 맞춰져 있다.
이번 전시에서 선보이는 작품들 역시 짙고 옅은 먹의 농담, 절제된 여백, 그리고 짧은 문장이 어우러지며 고요한 정서를 만들어낸다.
글씨는 설명을 멈추고, 그림은 말을 건다. 꽃과 풀, 춤추듯 흐느끼는 자연의 이미지 속에 놓인 그림과 글씨는 작가의 내면 풍경이자, 관람자의 감정을 비추는 하나의 창이 된다.
최남길의 작업이 지닌 특징은 과장 없는 서정성이다. 감정을 드러내되 소리치지 않고, 이야기를 전하되 여백을 남긴다.
이러한 태도는 그가 『마음가꾸기』, 『눈빛이 마음이 된 걸까』, 『두 글자 행복』 등 다수의 캘리그라피 에세이를 출간하며 이어온 작업 세계와도 맞닿아 있다.
또한 한일 교류전, 기부 전시, 감성 치유 프로젝트 등을 통해 글씨가 일상과 사회 안에서 어떻게 작동할 수 있는지를 꾸준히 모색해왔다.
지오 김영필은 전각을 중심으로 문자 예술의 물성과 의미를 동시에 탐구해온 작가다. 이번 전시에서 그는 전각, 탁본, 한글 먹글씨, 한문서예를 넘나드는 작업을 통해 ‘새김’과 ‘쓰임’이라는 문자 예술의 본질적 질문을 던진다.
해남석에 새긴 뒤 잉크 탁본과 한글 먹글씨로 풀어낸 〈슬픔이 꽃이 된다〉, 수산석 전각 탁본 작품 〈월인천강지곡〉, 전통 한글서예의 서정을 담은 〈사미인곡〉, 와당풍 전각과 한문서예가 결합된 〈장락미앙(長樂未央)〉, 그리고 주요 성씨 100과를 새기고 날인한 ‘백씨백성(百氏百姓)’ 연작은 문자가 지닌 시간성과 축적된 의미를 고스란히 드러낸다.
김영필의 작업에서 문자는 단순한 결과물이 아니라 과정이다. 돌을 새기는 행위, 종이에 찍히는 흔적, 다시 쓰이는 글씨의 흐름 속에서 문자는 사유의 궤적이 된다.
이는 전통 전각의 물성을 현대적 언어로 재해석한 시도이자, 문자 예술의 근원적 힘을 다시 환기시키는 작업이다.
국립한국전통문화대학교 전통문화원에서 전각을 강의하고, 다수의 서예·전각 공모전에서 심사위원과 초대작가로 활동해온 그는 교육과 현장을 오가며 문자 예술의 현재와 미래를 함께 고민해왔다.
갈매 모은영은 한글서예를 모티브로 회화적 접근을 시도해온 작가다. 그의 작업은 글씨인지 그림인지 쉽게 규정되지 않는 형상으로 구성되며, 문자와 이미지 사이의 경계를 유연하게 넘나든다.
최근 작가는 ‘섬’이라는 주제를 중심으로, 삶 속에서 누구나 경험하는 고립과 내면의 공간을 보다 적극적으로 표현하고 있다.
화면 속 한글의 조형은 읽히는 기능을 내려놓고 색과 형태, 리듬의 일부로 작동하며, 회화적 요소와 자연스럽게 결합된다. 이는 언어가 의미 이전에 감각으로 존재할 수 있음을 보여주는 동시에, 현대 회화로 확장된 한글서예의 또 다른 가능성을 제시한다.
모은영은 캘리그라피 디자인 그룹을 이끌며 디자인과 순수미술의 경계를 넘나들어 왔고, 홍익대학교 디자인콘텐츠대학원에서 광고디자인을 전공하며 축적한 시각적 감각을 작업에 반영해왔다.
그의 작품은 명확한 답을 제시하기보다 질문을 남기며, 관람자가 스스로 해석의 주체가 되도록 이끈다.
《삼상(三象)전》은 서로 다른 길을 걸어온 세 작가가 ‘문자 예술’이라는 공통의 토대 위에서 각자의 심상과 형상을 펼쳐 보이는 자리다.
담묵 최남길이 서정과 감성의 결을 보여준다면, 지오 김영필은 새김과 기록의 물성을, 갈매 모은영은 회화적 확장과 모호함의 미학을 통해 문자의 현재를 묻는다.
이번 전시는 전통과 현대, 읽힘과 보임, 쓰임과 형상 사이에서 문자 예술이 어떻게 확장될 수 있는지를 차분히 보여준다.
글씨는 더 이상 종이에 머물지 않고, 그림은 더 이상 형상에 갇히지 않는다. 그 경계에서 세 작가의 작업은 오늘의 예술적 질문을 조용히 던진다.
-글씨21
When Writing Becomes Form, and Form Becomes the Heart
Three Aspects (三象) – The Inner Visions and Forms of Three Artists, and Their Artistic Individualities
Writing began as something to be read, but today it has expanded within the realm of art into something to be seen and felt. Characters born from the tip of the brush move beyond meaning to become form, and form in turn is transformed into a sensory language. Within this connection, three artists who explore different approaches to textual art within the shared fields of calligraphy, calligraphy art, and seal carving come together in one place.
Featuring Dam-muk Choi Nam-gil, Gio Kim Young-pil, and Galmae Mo Eun-young, Three Aspects (三象) is an invitational exhibition themed around “the inner visions and forms of three artists, and their artistic individuality.” The exhibition was organized through the planning of Geulssi21 and the invitation of Gallery Ilbaekheon, and is being held from December 17 to 23, 2025, at Gallery Ilbaekheon in Bukchon, Seoul.
Rather than simply reproducing the lineage of traditional calligraphy, this exhibition examines the expanded possibilities of contemporary textual art through the perspectives of three artists who have interpreted characters through their own visual languages.
Dam-muk Choi Nam-gil is an artist who has expressed his work by binding painting and writing together into a single pictorial surface through the concept of “ink calligraphy.” His work maintains a certain distance from conventional ways of inheriting traditional calligraphy and painting, instead focusing on quietly and lyrically expressing personal emotions and reflections.
The works presented in this exhibition likewise create a tranquil atmosphere through the interplay of deep and light ink tones, restrained use of empty space, and short textual phrases. Writing ceases to explain, and painting begins to speak. Images of flowers and grasses, and of nature that seems to sway and tremble, appear together with writing, becoming both the artist’s inner landscape and a window that reflects the viewer’s emotions.
A defining characteristic of Choi Nam-gil’s work is its unexaggerated lyricism. He reveals emotion without raising his voice, and conveys stories while leaving space open. This attitude is closely connected to his body of work developed through the publication of multiple calligraphy essay books such as Cultivating the Heart, Was It the Eyes That Became the Heart?, and Two Words: Happiness. He has also consistently explored how writing can function within daily life and society through Korea–Japan exchange exhibitions, donation-based exhibitions, and emotional healing projects.
Gio Kim Young-pil is an artist who has explored both the materiality and meaning of textual art with seal carving at its center. In this exhibition, he presents works that move across seal carving, rubbings, Korean ink writing, and Chinese calligraphy, posing essential questions about “carving” and “use” in textual art.
Works such as When Sorrow Becomes a Flower, created by carving on Haenam stone and later expressed through ink rubbings and Korean ink writing; Worin Cheongang Jigok, realized as a rubbing from carvings on Susan stone; Samiingok, which conveys the lyricism of traditional Korean calligraphy; Jangnakmiang (長樂未央), combining tile-style seal carving with Chinese calligraphy; and the series Baekssi Baekseong (百氏百姓), in which one hundred major surnames are carved and sealed, all reveal the temporality of characters and the accumulation of meaning embedded within them.
In Kim Young-pil’s work, characters are not merely outcomes but processes. Through the acts of carving stone, imprinting marks onto paper, and rewriting text, characters become trajectories of thought. This represents an attempt to reinterpret the materiality of traditional seal carving through a contemporary language, while reawakening the fundamental power of textual art.
He has taught seal carving at the Traditional Culture Center of the National University of Cultural Heritage and has worked as a juror and invited artist in numerous calligraphy and seal carving competitions, moving between education and practice while contemplating the present and future of textual art.
Galmae Mo Eun-young is an artist who approaches her work through painterly expression based on Korean calligraphy. Her works are composed of forms that are difficult to define clearly as either writing or painting, fluidly crossing the boundary between text and image.
In recent years, she has focused on the theme of “islands,” more actively expressing the inner spaces of isolation that everyone experiences in life. In her works, the forms of Hangul relinquish their function of readability and instead operate as elements of color, shape, and rhythm, naturally merging with painterly components. This demonstrates that language can exist as sensation prior to meaning, while presenting another possibility for Korean calligraphy expanded into contemporary painting.
Mo Eun-young has led a calligraphy design group while crossing the boundaries between design and fine art, and she incorporates into her work the visual sensibility developed through her studies in advertising design at the Graduate School of Design Contents at Hongik University. Her works do not offer clear answers but leave questions open, guiding viewers to become active subjects of interpretation.
Three Aspects (三象) brings together three artists who have walked different paths yet share a common foundation in textual art. While Dam-muk Choi Nam-gil reveals the grain of lyricism and emotion, Gio Kim Young-pil presents the materiality of carving and record, and Galmae Mo Eun-young questions the present state of language through painterly expansion and ambiguity.
This exhibition quietly shows how textual art can expand between tradition and modernity, readability and visibility, function and form. Writing no longer remains confined to the page, and painting is no longer limited to fixed forms. At this boundary, the works of the three artists gently pose artistic questions for our time.
-Geulc21
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